‘Birdman’: las frustraciones del espectáculo

Hay personajes que trascienden la imagen del actor y condicionan su trayectoria posterior; el público no cambia de percepción e identifica al intérprete, que en consecuencia tiene dificultades para evolucionar, con el mismo tipo de papel. La reflexión determina el planteamiento de ‘Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)’, película que refleja la reconversión estilística de Alejandro González Iñárritu, director asociado a las historias cruzadas por su etapa junto al guionista Guillermo Arriaga. El cine siempre ha explorado las miserias y frustraciones del mundo del espectáculo, si bien el mexicano logra aproximarse al tema con originalidad a través del fascinante desarrollo y del carácter dual del protagonista. La destreza narrativa de González Iñárritu, manifestada en el uso simulado de un único plano secuencia, la inteligencia del guión (definido por un cruel discurso) y el trabajo del reparto encabezado por Michael Keaton explican que la propuesta perdure en la memoria cinéfila.

Michael Keaton protagoniza ‘Birdman’ (FOX)

El contexto queda expresado al comienzo en el camerino. Riggan Thompson escucha una voz interior que refleja la frustración y la rabia contenida por el fracaso. El actor, que en el pasado logró el éxito al encarnar al héroe Birdman, vive una etapa de decadencia que intenta superar con la adaptación en Broadway de una obra de Raymond Carver, arriesgado proyecto concebido como su última oportunidad artística. La historia, despojada de cualquier ‘glamour’, transcurre detrás del escenario y envuelve al público en los ensayos y preparativos de una producción problemática mientras la desesperación de Riggan va en aumento.

Los detalles cómicos confieren al filme cierto tono de sátira en torno al negocio vinculado a la escena. ‘Birdman’ se burla de las excentricidades e inseguridades de los intérpretes, ataca al ego sin límite de algunos críticos, retrata el pobre perfil periodístico e incluso cuestiona el criterio del público, influenciado por la fuerza de la imagen y de los fenómenos virales de Internet. En segundo término, el largometraje critica que Hollywood base su dinámica habitual en el cine de superhéroes. Estas ideas se potencian con los atractivos matices de los diálogos.

Cartel español de ‘Birdman’ (FOX)

La presencia latente de la conciencia de Birdman deriva en una catarsis que certifica el trastorno de Riggan. No obstante, a través de un final simbólico y abierto a la interpretación, González Iñárritu deja que cada uno decida si los hechos de reminiscencias fantásticas son reales o responden a alucinaciones. La película brilla, aunque los giros argumentales del último tramo, al considerarse a priori el clímax, pueden desconcertar cuando el relato continúa.

Resulta inevitable establecer paralelismos entre el protagonista y la propia situación de Keaton, el primer Batman cinematográfico. El actor, cuya carrera se había resentido, renace y transmite rabia o frustración según el caso. El reparto en su conjunto, espléndido, ofrece su mejor versión. Destacan las aportaciones del también recuperado Edward Norton y de Emma Stone.

Lo mejor: la destreza narrativa de González Iñárritu y el trabajo del reparto.

Lo peor: los amagos de desenlace del tramo final pueden desorientar al espectador.

Puntuación: 9/10.

‘El lado bueno de las cosas’

El dolor emocional y los problemas psicológicos son una epidemia silenciosa, si bien aún se enmarcan dentro de los temas tabú de la sociedad, donde afloran en un contexto de angustia y depresión generalizadas. ‘El lado bueno de las cosas’ aborda cómo inciden los trastornos en la vida diaria de quienes los sufren, y lo hace bajo las formas del drama y la comedia romántica de tono ‘indie’. A partir de una novela de Matthew Quick, David O. Russell (‘The fighter’, ‘Tres reyes’) escribe y dirige una película que supera las convenciones genéricas del relato y destaca por su poso existencial. Un filme emotivo y divertido a partes iguales que, a pesar de tratar asuntos delicados, invita al optimismo, de ahí que se convirtiera en uno de los títulos de 2012 en Estados Unidos. La obra ha supuesto el primer Óscar para Jennifer Lawrence, una de las actrices del momento en Hollywood, y ha permitido que Bradley Cooper se reivindique como intérprete más allá de su registro de galán.

Jennifer Lawrence y Bradley Cooper, en ‘El lado bueno de las cosas’

Pat (Cooper) recibe el alta del centro psiquiátrico en el que ingresó por un trastorno bipolar y por los actos que cometió al descubrir una infidelidad. Quiere recuperarse, pero a la vez está empeñado en volver con su mujer, una intención poco aconsejable y con la que se engaña a sí mismo. Mientras se adapta a la rutina en casa de sus padres, conoce a Tiffany (Lawrence), una joven adicta al sexo a raíz de un hecho traumático. Ambos establecerán una peculiar relación que, a modo de terapia, les ayudará a evolucionar y pasar página.

Cartel español de ‘El lado bueno de las cosas’

‘El lado bueno de las cosas’ brilla por su retrato de personajes: un bipolar con cambios de humor; una joven que escapa del dolor por medio del sexo; un padre con un trastorno obsesivo compulsivo (interpretado por Robert De Niro); y una madre (Jackie Weaver) que aguanta los problemas de su entorno. La propuesta refleja las dificultades de salir adelante cuando la mente bloquea a la persona y, como se comenta en una conversación entre los protagonistas, alude al miedo a vivir y ser feliz.

El ingenio del guión se complementa con la hábil dirección de Russell (plasmada en momentos como el de la ‘explosión’ por culpa del vídeo de la boda, la cita en el restaurante o el baile) y un buen acompañamiento musical. A su vez, sobresale por el nivel del reparto, un trabajo recompensado con las candidaturas al Óscar de Cooper, De Niro (su mejor papel en años) y Weaver y la estatuilla para Lawrence. En total, ‘El lado bueno de las cosas’ obtuvo ocho nominaciones, en lo que influyó el poder de los productores, los hermanos Weinstein, en la industria de Hollywood.

Lo mejor: el guión, el retrato de personajes y las interpretaciones.

Lo peor: el abuso de las referencias al fútbol americano y el exceso de metraje.

Puntuación: 7,5/10.

‘La invención de Hugo’

‘La invención de Hugo’ supone un cambio de registro estilístico en la carrera de Martin Scorsese, aunque se trata de un viraje coherente con su forma de entender el cine. Algunos críticos han afirmado que esta película sí es un verdadero acto de amor al celuloide, mientras que el homenaje de ‘The artist’ resulta artificial. Nada más lejos de la realidad, ambos largometrajes rinden pleitesía con honestidad al origen del séptimo arte, lo que en el caso de ‘La invención de Hugo’ se articula mediante la consideración del cine como ilusión. El trabajo de Scorsese puede disfrutarse a dos niveles: como producción familiar, con la historia de esos niños, o como placer cinéfilo al rememorar la figura de George Mélies (aquí encarnado por Ben Kingsley).

La acción se desarrolla en París años después de la Primera Guerra Mundial. Hugo Cabret (Asa Butterfield) es un niño, huérfano en la práctica, que vive escondido en una estación de tren, donde se encarga, a espaldas de viandantes y pasajeros, del mantenimiento de los relojes. El pequeño se dedica a robar piezas mecánicas para poder arreglar el único recuerdo que le queda de su padre, fallecido en un incendio. En concreto, se trata de un autómata que para Hugo esconde un secreto, como demuestra el hecho de que necesita una llave con forma de corazón para hacerlo funcionar. Con la ayuda de su amiga Isabelle (Chloë Grace Moretz), una chica aficionada a la lectura, vivirá una aventura vinculada a los primeros pasos del cine.

Ganadora de cinco premios Óscar en categorías técnicas, ‘La invención de Hugo’ adapta un libro ilustrado de Brian Selznick. El filme es un prodigio audiovisual (por fin el 3D se utiliza con cabeza y no como un simple recurso comercial) y narrativo, con un Scorsese en plena forma. Las vivencias de Hugo e Isabelle emocionan, pero donde la película brilla de verdad es en su mensaje sobre el cine. ‘La invención de Hugo’ incluye múltiples guiños, como por ejemplo el autómata (que remite al de ‘Metrópolis’) o el personaje del inspector que interpreta Sacha Baron Cohen, en alusión a las obras cómicas de Buster Keaton. En definitiva, una maravilla en la que, por cierto, aparece el mítico Christopher Lee en un papel secundario.

Lo mejor: su homenaje al cine y su prodigio técnico y narrativo.

Lo peor: que se considere una película infantil.

Puntuación: 9/10

‘The artist’

En las entrevistas promocionales, el director Michel Hazanavicius destacó que tuvo problemas para sacar adelante ‘The artist’. En un principio, nadie creía en ella. Una película muda y en blanco y negro era una rara avis, y venderla en el mercado constituía un problema, cuando paradójicamente esas características son su marca diferencial y los elementos que han conquistado a los aficionados. Los fervorosos aplausos que se llevó en el Festival de San Sebastián, donde se presentó fuera de concurso, fueron un indicativo de la capacidad para emocionar de esta producción francesa. Los comentarios positivos a la salida de las salas han hecho el resto para animar a los escépticos. Diez nominaciones a los premios Óscar (película, director, actor, actriz secundaria, guión original, fotografía, música, vestuario, edición y dirección artística) atestiguan el éxito de ‘The artist’, la sensación de 2011. Un sentido homenaje a los orígenes del séptimo arte y una experiencia cinéfila como las de antes.

En 1927, George Valentin (Jean Dujardin) es la estrella cinematográfica del momento. Los largometrajes mudos que protagoniza encandilan al público, por lo que la prensa sigue su vida con ávido interés. Con la irrupción del sonido, su situación cambia y comienza su caída en desgracia. Valentin no acepta los nuevos tiempos y produce en solitario un nuevo trabajo mudo, una decisión profesional que, junto al crack de 1929, le lleva a la ruina. El actor, con la única compañía de su inseparable perro Uggy, entrará en depresión y pondrá en riesgo su vida. En el lado opuesto, Peppy Miller (Bérénice Bejo), que cuando él estaba en la cima era tan solo una aspirante a actriz, se ha convertido en la celebridad de Hollywood. Ambos están destinados a encontrarse.

‘The artist’ es pura magia, una delicia. La historia es previsible, pero no importa. Cuenta con escenas emotivas y maravillosas (no faltan guiños al cine sonoro) y se apoya en la espléndida labor de los actores, con un dominio del lenguaje no verbal. Los gestos dicen más que las palabras. Dujardin arrolla con su carisma y la argentina Bejo enamora con sus cálidas miradas, incluso el perro Uggy derrocha simpatía. También hay que destacar el apartado técnico y la exquisita banda sonora. Al levantarse de la butaca, los espectadores se percatan de que, más que una película, han visto un clásico.

Lo mejor: el carisma de Jean Dujardin, la magia que desprenden sus escenas.

Lo peor: una historia en el fondo previsible.

Puntuación: 8,5/10

‘Albert Nobbs’

Alejada del cine para centrarse en la televisión (en la serie ‘Daños y perjuicios’), Glenn Close regresa a la gran pantalla con ‘Albert Nobbs’, en la que da vida a una mujer del siglo XIX que para prosperar se hace pasar por hombre. Una sobresaliente interpretación en un proyecto a su medida (la propia Close es una de las guionistas) creado con vistas a la temporada de premios. El papel le ha valido, la friolera de 23 años después, su sexta nominación al Óscar, un galardón que nunca ha ganado. Y esta vez tampoco lo tendrá fácil al medirse a la favorita, Meryl Streep. La película, presentada fuera de concurso en el Festival de San Sebastián, cuenta con otras dos candidaturas, mejor secundaria (Janet McTeer) y maquillaje.

Albert Nobbs es uno de los trabajadores más respetados de un hotel irlandés. Su labor le hace ganar sustanciosas propinas que guarda con recelo en un agujero en el suelo de su habitación. Nobbs tiene otro secreto: en realidad es una mujer. Poco a poco se percatará de que está atrapada en una sociedad pomposa marcada por las apariencias, aunque intentará seguir adelante para conseguir sus sueños.

El filme, dirigido por Rodrigo García a partir de un relato de George Moore, es un drama rodado al estilo clásico cuyo interés reside en la caracterización de Close (imprescindible verla en versión original) y en la ambientación de la época. ‘Albert Nobbs’ busca conmover al espectador, logro que consigue, si bien se queda a medio camino por una historia algo previsible y unas subtramas sin mordiente.

Lo mejor: Glenn Close.

Lo peor: no perdura en la memoria.

Puntuación: 6/10