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‘Enemy’, la dualidad del ser humano

En la psicología, el concepto del doble permite estimulantes reflexiones porque su posibilidad atrae y aterroriza a partes iguales. Denis Villeneuve explora esa idea en ‘Enemy’, adaptación libre de ‘El hombre duplicado’, novela de José Saramago que a pesar de su significativo potencial cinematográfico ha tardado en llegar a la pantalla, quizá por la complejidad que entraña el autor. La atmósfera turbia y el simbolismo de sus imágenes explican la fascinación que despierta en el espectador receptivo este extraño ‘thriller’ en torno a la dualidad del ser humano. Abierto a interpretaciones, el filme, coproducido entre Canadá y España y presentado en los festivales de San Sebastián y Sitges, apunta a convertirse en un título de culto para los aficionados a las películas que abordan los conflictos de identidad.

Jake Gyllenhaal, por partida doble en 'Enemy' (Alfa Pictures)
Jake Gyllenhaal, por partida doble en ‘Enemy’ (Alfa Pictures)

‘Enemy’ muestra cómo el descubrimiento de una persona idéntica puede dinamitar la existencia. Adam, un profesor de Historia hundido en una rutina gris, se obsesiona con Anthony, un actor, debido a su sorprendente parecido físico y empieza a investigarle. La decisión de llamarle a casa afectará a la vida de ambos. Villeneuve, autor de ‘Incendies’ o ‘Prisioneros’, desarrolla el interés malsano entre los personajes y enfatiza su carácter antagónico. Adam es un hombre nervioso y débil, mientras que Anthony se muestra seguro de sí mismo y deja entrever un fondo violento.

Cartel español de 'Enemy' (Alfa Pictures)
Cartel español de ‘Enemy’ (Alfa Pictures)

La propuesta sumerge en un ambiente de pesadilla, aspecto realzado por la oscura fotografía, el uso de la música, los momentos oníricos (¿qué representan las arañas?) y las relaciones de los personajes, incluidas las parejas de Adam y Anthony. El tono perturbador del relato se manifiesta en la intensidad de los encuentros de los protagonistas o en las imágenes donde Anthony cubre su rostro bajo un casco de moto, así como en los planos aéreos de la ciudad. Ciertos detalles aumentan la intriga e invitan a pensar en distintas teorías sobre lo que ocurre, algo que nunca revela la trama, que se cierra con un desenlace destinado a la controversia.

Jake Gyllenhaal, en una meritoria doble actuación, corrobora que ha alcanzado la madurez interpretativa. Sarah Gadon, cuyo registro aúna fragilidad y afán de control, Mélanie Laurent e Isabella Rossellini, en una breve colaboración, completan el reparto.

Lo mejor: la atmósfera turbia, la dirección de Villeneuve y Jake Gyllenhaal.

Lo peor: la falta de explicaciones potencia el efecto hipnótico de la historia, pero a la vez puede alejar de la misma a parte del público.

Puntuación: 8/10.

‘Colonia V’, caníbales bajo el hielo

Laurence Fishburne y Kevin Zegers, en 'Colonia V' (Tripictures)
Laurence Fishburne y Kevin Zegers, en ‘Colonia V’ (Tripictures)

El cine de ciencia ficción parte de planteamientos que explotan las apocalípticas consecuencias del cambio climático. La producción canadiense ‘Colonia V’ (su título original es ‘The colony’) muestra los efectos de una glaciación que acabó con la vida sobre la superficie terrestre. Sin enmarcarse en el terror, juega también con los elementos de la temática zombi, representados en los salvajes que para garantizar la existencia perdieron su humanidad al optar por el canibalismo. La fidelidad al género es su principal virtud y, a la vez, un defecto al resultar demasiado previsible. Sin embargo, entretiene al amante de la serie B, quien reconocerá sus influencias (de John Carpenter a Neil Marshall).

Los supervivientes se han establecido en colonias ubicadas bajo tierra. La gripe constituye una seria amenaza, de forma que, si alguien enferma, lo ponen en cuarentena y le realizan un test. En caso de que el resultado sea positivo, el afectado puede optar entre recibir un disparo o morir en la nieve. Los protagonistas descubrirán el horror tras recibir una llamada de socorro de la Colonia V.

Cartel de 'Colonia V' (Tripictures)
Cartel de ‘Colonia V’ (Tripictures)

El filme, presentado en el Festival de Sitges de 2013, se entrega a las reglas del género, palpables en la caracterización de personajes: el joven con un trauma por la pérdida de su familia, el líder justo o el miembro del grupo que apuesta por implantar métodos radicales. ‘Colonia V’ convence, dentro de su modestia, por la ambientación y el diseño de producción, aunque sus fondos digitales se asemejan a los de un videojuego. Su director, Jeff Renfroe (responsable de ‘Paranoia 1.0’), apuesta por elecciones estilísticas de dudosa eficacia, como algunos ‘travellings’ y puntuales acelerados o congelados de imagen. La propuesta incide en la maldad inherente al ser humano, sobre todo en las situaciones límite, y en su tramo final regala una agradecida escena ‘gore’.

El protagonismo recae en Kevin Zegers, acompañado por Laurence Fishburne y Bill Paxton, actores de contrastada solvencia pero cuya carrera se ha estancado.

Lo mejor: su tono de serie B sin pretensiones.

Lo peor: el carácter convencional del conjunto.

Puntuación: 6/10.

‘La última llamada (The call)’

Halle Berry protagoniza el 'thriller' 'La última llamada'
Halle Berry protagoniza el ‘thriller’ ‘La última llamada’

‘Session 9’ y, sobre todo, ‘El maquinista’ acreditan la contribución de Brad Anderson al terreno del ‘thriller’. Su trayectoria se ha diluido en el anonimato que implica su condición de director de capítulos televisivos, ámbito donde la atención suele detenerse en el creador de la serie y el reparto. Anderson se encarga de ‘La última llamada’, vibrante propuesta en torno al secuestro de una adolescente con la que disfrutará el aficionado al género. Su entrega al entretenimiento sin pretensiones contagió al público del Festival de Sitges, donde se proyectó con su título original, ‘The call’. El ritmo (realzado por el montaje y la música) y el protagonismo de Halle Berry y Abigail Breslin (la niña de ‘Pequeña Miss Sunshine’) definen una película que eleva el nivel de la productora WWE Studios, por lo general volcada en filmes directos al DVD encabezados por estrellas del ‘wrestling’.

Jordan trabaja como operadora del servicio de emergencias. Un error suyo provoca el secuestro y posterior asesinato de una chica, suceso que le traumatiza. Meses después atenderá la llamada de una joven que, desesperada, llora desde un maletero.

Cartel español de 'La última llamada'
Cartel español de ‘La última llamada’

En un primer momento el filme muestra el trabajo del 911 y cómo se prepara a los operadores, que no pueden hacer promesas ni implicarse emocionalmente con los usuarios y que cuentan con una sala para relajarse después de afrontar una situación difícil. La historia avanza a través de las conversaciones telefónicas entre Jordan y la víctima, guiadas por consejos para que busque el modo de alertar del rapto en el coche y permitir así su localización. La dirección de Anderson denota oficio y puede recordar el estilo del fallecido David R. Ellis en la frenética ‘Cellular’. El relato incluye inverosimilitudes y licencias, compensadas gracias a la deriva sórdida del tramo final, con detalles que animarán a los espectadores cómplices, si bien Anderson no lleva ese planteamiento al límite.

Halle Berry, cuya carrera parece recuperarse, aporta carga dramática a su personaje, y Abigail Breslin realiza una buena actuación, además de demostrar que sabe sufrir en pantalla. Entre los secundarios figuran Morris Chestnut y un fugaz Michael Imperioli (‘Los Soprano’).

Lo mejor: su vibrante ritmo narrativo y los detalles sórdidos del clímax.

Lo peor: que pase desapercibida en el variado ámbito del mércado doméstico.

Puntuación: 6,5/10.

‘El pacto’

La joven Caity Lotz protagoniza 'El pacto', de Nicholas McCarthy
La joven Caity Lotz protagoniza ‘El pacto’, de Nicholas McCarthy

La amplia variedad, temática y estilística, de propuestas de cine de terror y fantástico no se refleja en las películas que suelen llegar a la cartelera, apenas una porción de lo que se desarrolla en el marco del género. Los festivales especializados, el mercado doméstico y las plataformas de vídeo bajo demanda mitigan en parte la sensación de orfandad a la que se ve abocado el aficionado. Al seguidor del género le agradará ‘El pacto’ (no confundir con la producción con Nicolas Cage del mismo título), película proyectada en Sitges y Sundance que por suerte procura añadir alicientes a la habitual historia de presencias extrañas. El filme del debutante Nicholas McCarthy, quien se inspira en uno de sus cortometrajes, tiene ciertos detalles de puesta en escena que revelan su esfuerzo por huir de la rutina en la que caen no pocos productos. Una pequeña sorpresa que además luce con orgullo su etiqueta de serie B.

Annie guarda un mal recuerdo de su infancia por culpa del trato que le daba su madre, de ahí que, cuando esta fallece, no quiera regresar a casa con motivo del funeral. No obstante, las extrañas desapariciones de su hermana y su prima en aquella vivienda llevarán a Annie a descubrir el horror que escondía su madre.

Carátula de la edición en DVD de 'El pacto'
Carátula de la edición en DVD de ‘El pacto’

‘El pacto’ utiliza de forma inteligente sus escasos recursos para crear una atmósfera por momentos angustiosa y claustrofóbica, plasmada en el estrecho pasillo de la casa o el armario donde la madre encerraba a las niñas. McCarthy, también guionista, realiza una hábil, aunque no del todo satisfactoria, mezcla de géneros (no es lo que parece). La investigación de Annie provoca que afloren las convenciones y que los trucos de la historia queden expuestos, si bien ‘El pacto’ mantiene el interés.

En el reparto, encabezado por Caity Lotz, una acertada protagonista, llama la atención la fugaz presencia de Casper Van Dien, perdido desde hace años en el agujero de la serie Z.

Lo mejor: la atmósfera angustiosa que consigue en determinados momentos.

Lo peor: ciertos trucos y elementos funcionales del guión.

Puntuación: 6/10.

‘Lo imposible’

En ‘El orfanato’, Juan Antonio Bayona demostró su pericia narrativa para atrapar al espectador, una habilidad que vuelve a poner de manifiesto y lleva a un mayor nivel en ‘Lo imposible’, historia de fuerte poso dramático sobre el ‘tsunami’ que arrasó el continente asiático en 2004. Una ambiciosa propuesta española, presentanda en los festivales de San Sebastián y Sitges y acompañada de una masiva campaña de promoción, que no tiene nada que envidiar a las superproducciones de Hollywood en lo que a espectacularidad, factura técnica y capacidad de emoción se refiere.

El filme, inspirado en lo que le ocurrió a una familia española en aquella tragedia y rodado en inglés y con estrellas anglosajonas con vistas al mercado internacional, ofrece una intensa experiencia al público, partícipe de la angustia y el sufrimiento de los personajes. Incluye momentos que erizan el vello y que sobrecogen, pero redunda en el exceso melodramático, abusa de lo lacrimógeno y, en cierto sentido, manipula, elementos que le restan autenticidad. Aun valorando su calidad, ‘Lo imposible’ genera sensaciones contrapuestas, síntoma de que se guía por las virtufes y defectos del drama enmarcado en el cine de catástrofes.

J. A. Bayona, apoyado en un guion de su colaborador Sergio G. Sánchez, sumerge al espectador en un viaje emocional alusivo a las penurias que vivió la familia protagonista en su lucha por el reencuentro después de que el ‘tsunami’ engullera Tailandia. La película refleja con brillantez el horror de la devastación en una primera parte centrada en la supervivencia y en la que los sobresalientes efectos visuales y el apartado técnico juegan un papel determinante. El largometraje acierta al mostrar el carácter imprevisible de las tragedias, que pueden afectar a cualquiera. Una tesitura en la que el hombre queda a merced de la suerte. Mediado el metraje, ‘Lo imposible’ transita por el sendero del melodrama ya más convencional. Por esa combinación de drama y espectáculo, se ha comentado que el estilo de Bayona recuerda al de Steven Spielberg. Comparaciones aparte, la producción evidencia que el catalán sabe dirigir y mantener la tensión.

Como se ha indicado, ‘Lo imposible’ tiene picos de gran intensidad, si bien cae en el énfasis (palpable en el uso de la banda sonora), recurso que hace que surjan las dudas en torno a la honestidad de la película. En cuanto al reparto, las estrellas Ewan McGregor y Naomi Watts encabezan los créditos, si bien el verdadero protagonista es Tom Holland, el hijo mayor de la familia protagonista, quien lleva sin problemas el peso de la narración.

Lo mejor: su capacidad de emocionar y la impecable factura técnica.

Lo peor: las dudas respecto a su honestidad por culpa de los excesos melodramáticos.

Puntuación: 7/10.