‘Emergo’

La moda del ‘found footage’ (material encontrado), cuyos ejes giran en torno a las cámaras de vídeo y las grabaciones de estética casera para conferir realismo, ha derivado en una explotación de esta fórmula como mecanismo de terror. El hartazgo ante los mismos esquemas ha repercutido negativamente en la recepción de ‘Emergo’, aportación española al subgénero. Presentada en el Festival de Sitges de 2011, llega ahora al mercado del DVD y a las plataformas VOD (soportes en los que se comercializó en Estados Unidos bajo el título de ‘Apartment 143’) tras un estreno simbólico en salas. ‘Emergo’ reincide en lo ya visto, pero sería injusto catalogarla por defecto como una copia de ‘Paranormal Activity’ y similares. Más honesta que la tramposa franquicia de fenómenos extraños, la película de Carles Torrens, apadrinado en su debut por Rodrigo Cortés (aquí guionista y productor), cumple e inquieta dentro de su modestia. No merecería pasar desapercibida.

Fotograma de ‘Emergo’, filme de Carles Torrens

Un equipo de investigadores acude a un piso donde supuestamente ocurren fenómenos paranormales. Allí vive un hombre viudo y en paro junto a sus hijos, un niño y una adolescente resentida con su progenitor. La familia empezó a detectar sucesos extraños en su anterior domicilio a raíz de la muerte de la madre, unos hechos que se repiten a pesar del cambio de casa. La aparición de los científicos intensificará los problemas.

Rodada en inglés con vistas a las ventas internacionales, ‘Emergo’ se esfuerza por narrar un relato de terror con toques de drama familiar (en el ambiente flotan el dolor, la culpa y los reproches) y un cierto enfoque científico, representado en los investigadores y su reticencia a aceptar lo paranormal. El filme tiene más alma que otros productos ‘found footage’ y denota que sus creadores conocen en profundidad los resortes de las historias de fantasmas (la conversación en la cocina entre el padre y el jefe de los investigadores resulta esclarecedora). Por algunos apuntes, se nota que Rodrigo Cortés escribió el guión de ‘Emergo’ en el proceso de desarrollo de ‘Luces rojas’.

Cartel de ‘Emergo’

El largometraje, que juega con la ambigüedad aunque deje pistas, dosifica la información al espectador para acentuar la tensión, efecto conseguido en la escena de los ‘flashes’ y la sesión de espiritismo. Lástima que culmine en un desenlace poco satisfactorio. Los actores, desconocidos (en el reparto figura Gia, la hija de Joe Mantegna), realizan actuaciones convincentes. ‘Emergo’ destaca por su efectividad en el apartado técnico, incluye momentos de inventiva visual y apuesta por una fotografía que varía según el tipo de cámara que utilizan los personajes.

Lo mejor: su honestidad, el conocimiento del subgénero por parte de sus creadores y el enfoque dramático y científico.

Lo peor: que se pueda confundir con otra ‘Paranormal Activity’.

Puntuación: 6/10

‘Más allá de la muerte’

Christina Ricci, con Liam Neeson al fondo, en ‘Más allá de la muerte’

La incertidumbre ante el final de nuestros días, un temor inherente al hombre, siempre ha dado juego en el cine. ‘Más allá de la muerte’, debut en el largo de la polaca Agnieszka Wojtowicz-Vosloo, se aproxima a la temática mediante las formas del ‘thriller’ psicológico y el terror para ofrecer una variante macabra del carpe diem y el espíritu del ‘hakuna matata’: hay que aprovechar la vida antes de que sea tarde. La película, de 2009, no se estrenó en las salas españolas (sí se proyectó en el Festival de Sitges de 2010) pese a contar con Christina Ricci y Liam Neeson en su reparto y, con retraso, fue directa al mercado del  DVD y las plataformas de vídeo bajo demanda. Merece la pena rescatar este filme del olvido (‘After Life’ es su título en inglés), ya que se agradece el intento de la directoria de alejarse de lo rutinario, como denotan ciertos detalles y simbolismos de la puesta en escena. Aun con sus trucos y efectismos, entretiene.

Anna (Ricci) es una joven en crisis que, tras discutir con su novio por un malentendido, sufre un accidente de tráfico. Se despierta en la camilla de una funeraria, y Eliot (Liam Neeson), el propietario, le informa de que está muerta. En ese proceso de tránsito debe prepararse para su entierro, pero Anna duda de que haya fallecido realmente y se resistirá a su confinamiento en la funeraria.

Cartel de ‘Más allá de la muerte’

Sin ser algo novedoso (la serie ‘A dos metros bajo tierra’ ya planteó, aunque con otro tono, situaciones similares), las conversaciones entre Anna y el responsable de la funeraria, con un don para hablar con los difuntos, centran el interés del relato. Eliot quiere que Anna, en vísperas de su entierro, acepte su muerte y, a raíz de las reticencias de la mujer, afirma estar cansado de que los fallecidos se enfaden con él por haber desaprovechado su vida. El retrato de Eliot es uno de los atractivos de ‘Más allá de la muerte’, obra que apuesta por la ambigüedad para atrapar al público: los interrogantes residen en las verdaderas intenciones de Eliot y en si Anna está muerta o no. Hay pistas y también posibles interpretaciones.

‘Más allá de la muerte’ alude a la necesidad de desterrar los miedos que atenazan nuestras vidas, mensaje evidenciado de forma cruda, si bien se echa en falta más osadía y sordidez. El filme acierta en la ambientación y, en el lado contrario, cae en los clichés. Christina Ricci, idónea para los registros enfermizos, peca de irregular, pero se entrega con un papel que (atención para sus seguidores) incluye varios desnudos y una fuerte carga erótica. Por su parte, Liam Neeson demuestra su habitual solvencia. Menos suerte tiene Justin Long, el novio de Anna en la pantalla, por culpa del guión.

Lo mejor: Liam Neeson, algunos detalles de la puesta en escena y la extraña sensualidad de Ricci.

Lo peor: el personaje de Justin Long y que el filme sucumba a las convenciones.

Puntuación: 6/10.

‘Berberian Sound Studio’

Hay películas que, por sus características, están destinadas a círculos minoritarios, donde aguardan a la espera de que los aficionados las descubran y sepan apreciarlas. Es el caso de ‘Berberian Sound Studio’, un homenaje sonoro al terror y al ‘giallo’ italiano, un género por sí mismo. Peter Strickland dirige una obra de atmósfera extraña y envolvente, con momentos fascinantes, y que se apoya en el trabajo de un buen actor como Toby Jones. Abierto a interpretaciones, y críptico en su significado, el filme pasó por la sección oficial del Festival de Sitges y se exhibe en el marco del Atlántida Film Fest, el certamen de cine ‘online’.

Toby Jones protagoniza ‘Berberian Sound Studio’

Gilderoy, un técnico de sonido británico, viaja a Italia tras ser contratado para participar en la última película de Santini, un maestro del ‘giallo’. Pronto se siente fuera de lugar por la barrera idiomática, el tono violento de la producción y por la sensación de que ha sido engañado y no va a cobrar. En un ambiente decadente, los sonidos e imágenes empezarán a afectarle.

Cartel de ‘Berberian Sound Studio’

‘Berberian Sound Studio’ es, ante todo, un ejercicio de estilo. El largometraje corrobora que Strickland conoce a la perfección la sonoridad del horror. Se trata de una propuesta de cine dentro del cine desde la perspectiva del lado técnico. Está marcada por los gritos de las víctimas de la película de Santini, que se escuchan en el fuera de campo mientras la acción acontece en el estudio. Nunca se ven imágenes de esa obra, pero el espectador la siente, lo que constituye un logro de la malsana puesta en escena.

Hay momentos hipnóticos (cuando las actrices gritan en la cabina delante del micrófono para el doblaje) y no falta una cierta dosis de humor negro, representada en la manera de obtener sonidos similares al de las torturas; Gilderoy y sus ayudantes cortan frutas y hortalizas. En el último tercio, lo onírico se apodera del relato, que se cierra con un final desconcertante y precipitado.

Lo mejor: la atmósfera extraña y su tributo al ‘giallo’.

Lo peor: la deriva onírica de los últimos minutos, que culmina en un final desconcertante.

Puntuación: 7/10.

‘Mapa’

 Fresca, original y diferente son algunos de los calificativos que pueden emplearse para valorar ‘Mapa’, ‘película-diario’ de León Siminiani candidata a un premio Goya en la categoría de mejor documental. Una obra en la que el propio autor, en primera persona, hace partícipe al espectador de sus reflexiones sobre la existencia y el amor con un estilo que ha favorecido el boca a boca entre los espectadores. El filme refleja que la vida puede originar, literalmente, la creación artística. Recomendable.

Fotograma de la ‘película-diario’ ‘Mapa’

Tras perder un trabajo en una serie de televisión y quedarse sin pareja, Elías decide pasar una temporada en la India con objeto de hallar la inspiración, dejar de ser un cineasta frustrado y, si puede, encontrar a una compañera de viaje. En el proceso se descubrirá a sí mismo.

‘Mapa’ brilla por un desparpajo (y atrevimiento) narrativo que genera empatía en el público, que se identifica con la búsqueda, la angustia y la parálisis vital de Elías. Este muestra las imágenes que capta con su cámara y recurre a la voz en ‘off’, así como a recursos gráficos y de montaje para enfatizar las emociones. Uno de los puntos fuertes de la película reside en su sentido del humor: Siminiani se ríe de sí mismo y propone un juego a través de la figura del Otro, algo así como su lado pesimista.

Cartel de ‘Mapa’, de León Siminiani

El largometraje también atesora sentido crítico (presente en sus alusiones a la situación de la India o la mención a la crisis y el movimiento del 15-M), aunque Siminiani se pregunta que quién es él para hablar de temas sociales, por lo que no profundiza en esos asuntos. De tono existencial y con diálogos de poso reflexivo, ‘Mapa’ va más allá de la experiencia ‘mochilera’ en la que puede hacer pensar en un principio. La historia se expande, avanza, retrocede y es rica en matices.

Lo mejor: su atrevimiento narrativo y el sentido del humor.

Lo peor: para algunos puede interpretarse como un ejercicio de ego.

Puntuación: 7/10.

‘Babysitter wanted’

Sarah Thompson, en ‘Babysitter wanted’

Los prejuicios envuelven al cine de terror, y a menudo con razón debido a la explotación de fórmulas gastadas o la desvergüenza de determinados productos. Esta situación explica las generalizaciones (negativas) en torno al género y que el aficionado deba afinar su búsqueda para hallar propuestas interesantes, como ‘Babysitter wanted’, película de 2008 rescatada en España gracias al Vídeo On Demand (VOD). Un pequeño filme con aroma ‘ochentero’ (reflejado en la fotografía sucia) y detalles que disfrutará el fan del horror (referencias y arrebatos ‘gore’) que destaca por su tono malévolo. Resulta tramposo, sí, pero entretiene.

Una joven criada en un entorno cerrado y religioso comienza su andadura en la universidad y busca un trabajo a tiempo parcial para poder mantenerse. Mientras se adapta a una nueva realidad que le atemoriza, siente que alguien la observa y permanece al acecho. Sus sospechas se confirmarán cuando acuda a una granja para hacer de canguro y cuidar a un niño.

Uno de los carteles de ‘Babysitter wanted’

‘Babysitter wanted’, dirigida por Jonas Barnes (también guionista) y Michael Manasseri (al que algunos recordarán como el protagonista de la serie de los 90 ‘Una chica explosiva’), juega con las formas del terror y atesora elementos que denotan cariño por el género y el esfuerzo por relatar una historia. Avanzado el metraje, la trama experimenta un giro radical (y delirante) que apreciarán los aficionados. Entonces el largometraje se excede en el ‘gore’ (cabe advertir de una desagradable escena al más puro estilo matarife) y pierde fuerza en un tramo final que sucumbe a las convenciones que antes había afrontado con soltura.

El protagonismo recae en Sarah Thompson, quien cumple en un papel diseñado para sufrir. En el reparto figuran Matt Dallas (de ‘Kyle XY’), Bruce Thomas, con un notable parecido físico con el gran Bruce Campbell, y Bill Moseley, un habitual de la serie B.

Lo mejor: su tono malévolo y el estilo de terror ‘ochentero’.

Lo peor: las convenciones del desenlace.

Puntuación: 6/10.

‘El callejón’

Ana de Armas, en un fotograma de ‘El callejón’

Las propuestas de terror y fantástico suelen despertar prejuicios, un recelo que se acentúa si son españolas, aunque paradójicamente en la industria nacional haya una tradición por el cine de género (el denominado ‘fantaterror’) que en los últimos años empieza a revitalizarse. En este contexto llega ‘El callejón’, producción hispanocolombiana que supone el debut en la dirección de largos de Antonio Trashorras, crítico de cine que atesora experiencia como guionista (‘El espinazo del diablo’, ‘Agnosia’). Presentada en el Festival de Sitges de 2011, se ha lanzado de forma simultánea en cines y en una plataforma de Video On Demand (VOD). ‘El callejón’ es la estimulante, y desigual, obra de un apasionado del ‘giallo’, el ‘thriller’ y el horror con la que simpatizarán aficionados y espectadores cómplices. Un filme pequeño, con potencial de título de culto y vocación de pieza incomprendida.

Al terminar su jornada de trabajo, Rosa (Ana de Armas) acude de noche a una lavandería para limpiar la ropa que lucirá en una audición. La ilusión ante la prueba se transformará en pesadilla cuando entre al local, solitario y sórdido, un hombre con malas intenciones. A partir de esa simple premisa, Trashorras articula una historia que, plagada de referencias y homenajes, denota un profundo conocimiento de los resortes del género. El director y guionista acierta con el estilo narrativo y emplea elecciones estilísticas como la pantalla partida para avanzar el relato o mostrar los hechos desde otra perspectiva, además de ‘flashbacks’.

Cartel internacional de ‘El callejón’

‘El callejón’ mejora cuanto más alocada se vuelve. Atención a la deriva fantástica del tramo final, donde Trashorras da rienda suelta a sus filias (guiños a Dario Argento incluidos). En el lado contrario, la película peca de irregular y tarda en arrancar, ya que los diálogos previos a la llegada a la lavandería (las conversaciones con la compañera de trabajo y la hermana; la ruptura telefónica con su novio) no interesan. Hay que advertir que incluye licencias y giros que no serán del agrado de todos los espectadores.

Ya desde los ‘sesenteros’ títulos de crédito, los seguidores de Ana de Armas se deleitarán con la actuación de la actriz, entregada para la causa en un registro que recuerda al de las ‘scream queens’ del terror. La intérprete lleva sin problema el peso de la trama.

Lo mejor: su sentido de la narración, su condición de tributo al terror y el fantástico y la entrega de Ana de Armas.

Lo peor: los diálogos insustanciales del comienzo.

Puntuación: 6,5/10.

‘Si fuera fácil’

 Judd Apatow se ha convertido en una figura de referencia dentro de la comedia estadounidense de los últimos años, con un estilo que ha creado escuela (y no solo por sus proyectos como productor). La inmadurez y el miedo a crecer, con las obligaciones y retos que la edad implica, están detrás de sus películas. ‘Si fuera fácil’ supone la propuesta más adulta del director y guionista y se trata de un buen filme sobre lo traumático que resulta comprobar que la vida pasa rápido. El público que vea los problemas de los protagonistas en el horizonte se identificará y disfrutará con ‘Si fuera fácil’, donde confluyen la cara seria de Apatow y su lado festivo.

Leslie Mann y Paul Rudd, en ‘Si fuera fácil’

‘Si fuera fácil’ gira en torno a Debbie (Leslie Mann) y Pete (Paul Rudd), personajes que aparecían como secundarios en ‘Lío embarazoso’, el segundo trabajo de Apatow. El 40 cumpleaños de Debbie es el punto de partida para mostrar los problemas del matrimonio, la falta de pasión, de magia, las mentiras, las penurias económicas y los quebraderos de cabeza que provoca criar a las hijas (una de ellas adolescente), así como los derivados de aguantar a padres y suegros. En los diálogos se entremezclan las inquietudes de Debbie y Pete, la ironía y alusiones al sexo y la escatología, cóctel que propicia momentos descacharrantes y otros emotivos.

Cartel español de ‘Si fuera fácil’

El largometraje se sustenta en unos personajes bien definidos y en la empatía que genera el tono ligero del conjunto. No obstante, Apatow reincide en una de sus manías, el metraje abultado, y alarga demasiado algunas situaciones (por ejemplo, el pasaje de la fiesta de cumpleaños de Pete). En esos momentos, da la sensación de que Apatow no sabe hacia dónde va su discurso. ‘Si fuera fácil’ plantea los hechos, en este caso la crisis de pareja y los sinsabores de la etapa adulta, y solo sugiere las respuestas, quizá porque están en la propia vida.

Mann y Rudd bordan sus papeles y ‘Si fuera fácil’ constituye una oportunidad para reivindicar su talento, que va más allá de lo cómico y la capacidad gestual. Mann, mujer de Apatow en la vida real (y actriz fetiche), no es el único familiar elegido por el director para la película, ya que también participan sus hijas, Maude e Iris, de ahí que se pueda pensar que algunos acontecimientos de la obra tienen poso autobiográfico. El filme incluye las colaboraciones especiales de Albert Brooks, John Lithgow, Chris O’Dowd, Jason Segel, Megan Fox (en el único registro en el que sabe desenvolverse) y Melissa McCarthy.

Lo mejor: el tono, la identificación del espectador con la historia y los protagonistas.

Lo peor: Apatow insiste en estirar sus películas.

Puntuación: 7/10